Los textos, mayoritariamente de Alfredo Navarro, han sido recopilados por Fernando Alvira
Carlos Rolando. Carlos José Rolando nació en Rosario (Argentina), en 1933. Su padre era litógrafo, hecho que marcaría su posterior trayectoria. Cursó estudios de arquitectura en Argentina, en busca de un apoyo teórico a sus aspiraciones como diseñador. Al tiempo, proseguía su formación en artes plásticas realizando cursos de pintura, fotografía o tipografía. Después de una primera experiencia como director de arte en el mundo editorial y en una agencia de diseño, se trasladó a Barcelona en 1967, ciudad en la que trabajaba en 1992. Se había especializado, fundamentalmente, en diseño corporativo: es responsable de la imagen de marca de importantes empresas e instituciones, entre las que destacan Camper (con la que colaboró durante dieciséis años), Roca, Arco, Fagor, Ifema, Expo de Sevilla 92 y Círculo de Lectores, entre otras muchas. Falleció en 2016.
Robert Llimós (Barcelona, 19 de octubre de 1943) Estudió en la Escuela Massana y la Escola Superior de Bellas Artes de Sant Jordi, Barcelona. En 1965-68 se inició como pintor de la nueva figuración y en 1969-1973 pasa por una etapa de experimentación conceptual retornando a la pintura figurativa dentro de una línea expresionista con gran énfasis del color. Además de pintura su obra incluye escultura en Barcelona, Madrid, Sevilla, Valencia, New York, París, Seúl, Bochum, Göppingen, etc. Ha participado en innumerables exposiciones colectivas tanto en España como en el extranjero. Entre 1975-1983 vive en Nueva York y de 1987 a 1988 en Miami. Desde entonces vive y trabaja en Barcelona. La Generalitat de Catalunya le otorgó en 1994 el Premi D`Arts Plástiqes.
Enric Huguet. Enric Huguet Muixí (Barcelona, 1928), pertenece a la generación de pioneros del diseño gráfico en este país, como Dòmenech, Pedragosa, Plá-Narbona, Vellvé, Baquès, Moradell o Ricard Giralt-Miracle. Es un genial diseñador gráfico, ilustrador y técnico en publicidad. Entre 1942 y 1947 se formó en la Escuela Oficial de Artes Aplicadas (Llotja) de Barcelona. En 1963 inició su trayectoria pedagógica como profesor de diseño en la Escola Massana, dedicación que continuará hasta 1993. En 1964 recibió el primer encargo para el Salón Náutico, iniciando así una serie de 14 carteles; además realizó el cartel para el Pabellón Español de la Feria Internacional de Nueva York. En 1967 fue admitido como miembro en la agrupación Alliance Graphique Internationale y consolidó su presencia en el campo de la imagen corporativa al crear signos de identidad para Autopistas C.E.S.A. Entre 1972 y 1978 ha trabajado, entre otras, para empresas como Aguas de Barcelona, Roca Radiadores, Autopistas CESA, Santiveri, Diputación de Barcelona, Estamos, sin duda, ante uno de los grandes del diseño gráfico español y europeo.
Albert Isern. Albert Isern (Badalona, 1940) es diseñador gráfico, editor y director de la Guía Creativity y un gran coleccionista de carteles. Tiene el título de Técnico en Publicidad del Instituto Nacional de Publicidad en 1969. Desde 1972 hasta marzo de 1989 fue presidente del ADG-FAD. Fue profesor de Diseño Gráfico en la Escuela Massana de Barcelona entre 1971 y 1978. En 1978 recibió la 66ª Medalla del Foment de les Arts Decoratives (FAD); también ha recibido ocho Premios Laus de Diseño Gráfico. Su obra ha sido expuesta en todo el mundo y ha aparecido en las principales publicaciones especializadas de diseño y comunicación. Ha impartido conferencias y seminarios sobre diseño, packaging y comunicación gráfica y ha sido el fundador del primer Museo Virtual del Diseño (MDV) y de la guía Creativity, anuario de referencia que reúne la producción más destacada en diseño y comunicación de Catalunya.
Satué, Enric. Enric Satué (Barcelona, 1938) estudió la carrera de Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. Satué es un clásico, vive en una masía (Can Pufarré), donde tiene también su estudio. Aprendió diseño gráfico con el lápiz, por eso cuando el ordenador quiso apoderarse de su trabajo de artesano se escandalizó. “Creo que el ordenador sólo debe ser utilizado en diseño si se concibe como una caja de rotuladores”, Sus imágenes han llenado con asiduidad el campo visual de los españoles. En la década de los 80 entró con más fuerza en el panorama del diseño español al realizar, entre otros el diseño de señalización del Aeropuerto de Sevilla o del Museo Thyssen-Bornemisza ambos del arquitecto Rafael Moneo. Entre sus clientes se cuentan el Banco de España, RBA Editores, Editorial Anaya, Instituto Cervantes, Editorial Alfaguara, Editorial Espasa-Calpe, El Temps, Cooperativa de Arquitectos, Universitat Pompeu Fabra…
Enric Satué, uno de los maestros del diseño gráfico español y de su historia, sigue trabajando sin descanso, alternando su profesión de diseñador gráfico, historiador y profesor universitario, en la tranquilidad de su estudio de esa preciosa localidad que es Alella.
Pilar Villuendas, Josep Ramón Gómez. Villuendas+Gómez es un estudio de diseño y comunicación visual que desde 1980 ofrece servicios integrados con un marcado carácter multidisciplinar. Creado por Pilar Villuendas y José Ramón Gómez, con la posterior incorporación en el 2000 de Alicia Gómez del Moral, conforma un equipo con una amplia experiencia tanto en el ámbito de la Comunicación gráfica Institucional como Social y Empresarial. Desarrolla proyectos de Identidad corporativa, Diseño editorial, Cartelismo, Imagen de producto, Exposiciones, Publicidad institucional y Campañas de comunicación gráfica, dando soluciónes a cualquier problema relacionado con la Comunicación y el Diseño. A lo largo de estos años ha mantenido una preocupación constante en el estudio la consideración del Diseño como herramienta de mejora de la sociedad en proyectos con marcado carácter social.
Josep M. Trías. Nacido en Barcelona en 1948 es el creador de la imagen de los juegos olímpicos y la señalización del sistema de transporte público y renovador de la imagen corporativa de TV3 diseñador gráfico, pintor y músico. Es nieto del novelista catalán, narrador y autor teatral, Josep M. Folch i Torres.
Sus primeros años de formación fueron junto al respetado diseñador y artista, Josep Pla-Narbona, quien fue su mentor. Estudió en la Escuela de Artes y Oficios (Llotja) y en la escuela de Bellas Artes (Facultat de Sant Jordi de Barcelona). Mientras realizaba sus estudios y trabajaba como diseñador gráfico independiente, se trasladó a París donde trabajó también como diseñador. Inicialmente se asocia con Jordi Canelles fundando Trias & Canelles (1968-1976), durante los años de 1977 a 1981 dirigió su propio equipo firmando los trabajos bajo su nombre.
Miembro fundador de la Asociación de Diseñadores Profesionales de ámbito estatal y fue presidente de la misma (ADP, 1980-1982). Ha sido profesor de la Escola Massana, en Elisava, en la Universitat Pompeu Fabra (UPF) de Comunicación Audiovisual, y la Business School de Copenhague. En 1983 fundó junto a otros diseñadores el estudio multidisciplinar Quod Design.
Josep M. Trias ha contribuido en el paisaje urbano de la ciudad condal y ha participado en el imaginario colectivo de muchos catalanes. Ha trabajado tanto para el ámbito privado como para el público, de sus numerosos trabajos destaca la señalización para el Ferrocarril Metropolità de Barcelona (1982), el logotipo para la cadena de la televisión de Cataluña TV3 (1993) y es el creador del logosímbolo de los XXV Juegos Olímpicos y los IX Juegos Paralímpicos de Barcelona 1992. Con Trias Quod Design, predominan trabajos de identidad como la Universidad de Deusto (UD), la Universidad de Barcelona (UB), el Gran Teatre del Liceu, la Generalitat de Catalunya, las Cámaras de Comercio de España, el parque temático Parque España en Japón, el Circuit de Barcelona-Catalunya, la marca de las tiendas y juguetes Imaginarium, Port Aventura o Font Vella, entre otras.
Saura-Torrente. Salvador Saura (Molins de Rei, 1950) y Ramón Torrente (Barcelona, 1951) son diseñadores gráficos, publicistas y editores que fundaron en 1976 el estudio Saura y Torrente Diseño Gráfico. En 1983 fundaron Edicions de l’Eixample para editar propuestas propias, especializándose en las artes plásticas y el teatro. De forma paralela han realizado encargos para museos e instituciones como la Fundació Antoni Tàpies, el MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona), Fundación Joan Miró, entre otros. Por otro lado, se han especializado en la concepción y producción de libros de edición numerada, como 50 libros para la Edición Planeta, Constitución. Del Código de Hammurabi a la Constitución Española de 1975, para el Ministerio de la Presidencia, y Camino de Santiago, patrimonio mundial para la Xunta de Galicia.
Saura y Torrente han conseguido llevar adelante una experiencia editorial comprometida tomando al libro como una obra de arte, como objeto de diseño de producto y la lectura del mismo como una caja de sorpresas.
Giralt Miracle., Daniel Giralt-Miracle (Barcelona, 1944) es licenciado en Filosofía y Letras por la Universidad de Barcelona, en Ciencias de la Información por la Universidad Autónoma de Barcelona y diplomado en Diseño y Comunicación por la Hochschule für Gestaltung de Ulm (Alemania). Ha sido profesor de la Escuela Superior de Diseño Elisava entre 1966 y 1973; de la Facultad de Ciencias de la Información de la UAB entre 1978 y 1987, y de la Facultad de Bellas Artes de la UB entre 1979 y 1980. Ha sido responsable del Servicio de Artes Plásticas del Departamento de Cultura de la Generalitat de Catalunya entre 1982 y 1987; director gerente de la Fundació Caixa de Catalunya (1987-1989), director del Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA, 1989-1994), creador y director del Espai Gaudí de la Fundació Caixa Catalunya (1995-2000) comisario general del Año Internacional Gaudí (1999-2002) y director científico del Istituto Europeo Design de Barcelona. A lo largo de su dilatada carrera como crítico, comisario e historiador del diseño ha impulsado numerosas iniciativas para difundir sus materias favoritas, pero donde ha puesto mayor empeño ha sido en su labor de dar a conocer la obra de su padre, el diseñador gráfico y tipógrafo Ricard Giralt Miracle, su gran compañero y mejor amigo, con quien compartió una aventura intelectual muy intensa.
Pérez Villalta. (Tarifa, 12 de mayo de 1948) es un pintor y escultor español, integrante de la nueva figuración madrileña y uno de los pintores más representativos del posmodernismo en España. Algunas fuentes le incluyen en una corriente que llaman neomanierismo. En 1968 se trasladó a Madrid, donde en la década de 1980 se lo consideró integrante de la llamada movida madrileña. Ya en los 70 conformó un estilo «manierista» de colorido y figuras deformadas en contorsiones. A mediados de los 80, fue hacia un colorido más cálido y «sucio», con una técnica más suelta. Frente a los valores de cierta la modernidad abstracta la pintura de Villalta es de naturaleza totalmente narrativa. Diseñó una baraja española donde sustituyó las figuras habituales por dioses y santos desnudos. El Rey de Oros era una fusión de Cristo y Baco.
Está presente en colecciones como: Museo Reina Sofía de Madrid, Museo de Bellas Artes de Bilbao, Fundación Juan March de Palma de Mallorca, Fundación Suñol de Barcelona, Patio Herreriano de Valladolid... En 1985 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas.
Josep Pla Narbona. Josep Pla-Narbona San Antonio (Barcelona, 1928) está también considerado como uno de los pioneros del diseño gráfico español. Entre 1945 y 1948 estudia en la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona y se inicia en las técnicas de litografía y grabado. En 1946 comienza a trabajar en publicidad como aprendiz de Josep Artigas. Al año siguiente trabaja en el taller del artista Ricard Fábregas. En 1960 establece estudio propio en Barcelona y recibe el Premio Sant Jordi del Cercle Artístic Sant Lluc. En 1961 es nombrado profesor de Plástica Publicitaria en la Escuela Massana de Barcelona. En 1976 recibe el primer Premio en el Concurso Internacional de Dibujo Inglada Guillot. Pla-Narbona ha trabajado en el mundo editorial ilustrando libros para Joan Fuster, Camilo José Cela y J.V. Foix entre otros autores Entre sus trabajos y clientes hay que citar laboratorios farmacéuticos como Grupo Uriach, Bayer, carteles para teatro, Salón Hogarotel, Congreso Nacional de Artes Plásticas, Nestlé, La Lechera, Nescafé, Semana Santa de Sevilla o Sonimag, entre otros. Falleció en 2020.
Alonso-Aiguadé
América Sánchez. (Buenos Aires, 1939) es diseñador gráfico, fotógrafo y pedagogo de la imagen. De formación autodidacta, su aprendizaje estuvo marcado por la llamada Escuela Suiza a través del libro The Graphic Artist and his Design Problems de Josef Müller-Brockmann. En 1965 llega a Barcelona, donde trabaja como free-lance. Un año después establece su propio estudio de diseño y se especializa en identidad corporativa para empresas e instituciones y en identificación gráfica para exposiciones y eventos especiales. Desde 1967 desarrolla su actividad pedagógica en la escuela Eina de Barcelona y en otras escuelas e instituciones. La Biblioteca Nacional Francesa, el Museo de Aurillac, el IVAM Centre Julio González y el Museo de Bellas Artes de Houston poseen obra fotográfica suya. El Museo de Arte Moderno de Nueva York también posee varios de sus trabajos gráficos. Se le ha concecido el Premio Laus en seis ocasiones y el Premio Nacional de Diseño en 1992.
Josep María Mir. (Barcelona, 1949) es considerado uno de los creativos más interesantes del panorama nacional. Ha participado activamente en numerosos organismos del ámbito del diseño y la comunicación, tanto nacionales como internacionales. Ha sido y es miembro de comisiones de asesoramiento de importantes instituciones públicas, como el Ayuntamiento de Barcelona, Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid, Generalitat de Catalunya y corredactor del Llibre Blanc del Disseny Gràfic a Catalunya. Ha sido galardonado en treinta y cuatro ocasiones con los Premios Laus, el Premio ACCA de la Asociación Catalana de Críticos de Arte, Gran Premio del Jurado del FIAV (Festival Internacional de Artes Audiovisuales 1992) y en tres ocasiones con Premios Barcelona de Grafismo y Comunicación del Ayuntamiento de Barcelona. Es miembro fundador del estudio SUMMA donde ejerce de responsable del Departamento Creativo, de la conceptualización de proyectos y de la supervisión de los equipos de diseño. Summa recibió en 2008 el Premio Nacional de Diseño. Fue el padre de la imagen gráfica de España durante la presidencia española del Consejo de la Unión Europea en 1995, utilizando la tilde de la letra “ñ” sobre la “e” de España. Vinculado, como buena parte de su generación, a la enseñanza, huye de la trivialización del diseño para abogar por la solidez de los procesos y, sobre todo, de los resultados.
Eduardo Chillida. Nació en 1924 en San Sebastián. A los diecinueve años inició en lalos estudios de Arquitectura en Madrid, sin completar el ciclo formativo como arquitecto, y continuó una formación centrada en la escultura y el dibujo en madrileño Circulode Bellas Artes Su actividad comienza en torno a 1948, cuando se traslada a París. Allí entabla amistad con Pablo Palazuelo.
En 1950 regresa a San Sebastián, se casa instalándose en Villaines-sous-Bois, un pueblecito francés en la región de Isla de Francia, departamento de Valle del Oise. Cuando nace el primero de sus hijos regresa definitivamente a San Sebastián y comienza a trabajar en Hernani en una fragua, donde el hierro introduce un cambio fundamental en su trayectoria. Por sugerencia de su amigo Pablo Palazuelo, hace en 1954 su primera exposición individual en la Galería Clan de Madrid. En 1964 recibe el Premio de Escultura del Carnegie Institute de Pittsburg.
En 1981 recibe la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes en Madrid.
En la última parte de su vida, el propio Chillida constituyó el museo Chillida-Leku, en el caserío de Zabalaga (Hernani). Es una construcción tradicional vasca remodelada por el escultor y rodeada de un gran espacio de jardines que alberga la obra del artista. Allí se dejó ver en público por última vez, en octubre de 2000, en un acto celebrado en el museo, en el que fue nombrado doctor honoris causa por la Universidad Complutense de Madrid. Le quedó pendiente el proyecto de la montaña de Tindaya, en Fuerteventura, pues no llegó a realizarse antes de que el escultor falleciera el 19 de agosto de 2002.
Antoni Tàpies . Inicia sus tanteos artísticos durante la larga convalecencia de una grave enfermedad. La creciente dedicación al dibujo y a la pintura le empujan a abandonar los estudios universitarios. En la década de 1940 ya expone sus obras, de marcada personalidad, que lo destacan en la panorámica artística del momento. Es cofundador de la revista Dau al Set (1948). Influenciado por Miró y Klee incrementa entonces el factor iconográfico y la temática mágica. Poco a poco incorpora elementos geometrizantes y estudios de color que desembocan en un interés por la materia, el cual se traduce en telas de textura intensa y de grandes posibilidades expresivas y comunicativas.
Con estas obras Tàpies logra, hacia mediados de los años cincuenta, el reconocimiento internacional. A partir de la década de los sesenta incorpora nuevos elementos iconográficos (signos de escritura, elementos antropomórficos, pisadas y signos que aluden a la realidad de Cataluña) y procedimientos técnicos (nuevas superficies, uso de objetos cotidianos y del barniz). El lenguaje pictórico de Tàpies ha evolucionado desde entonces y ha dado como resultado una creación plástica diversificada y productiva admirada alrededor del mundo.
Ha exhibido en el Museum of Modern Art y en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, en el Museum of Contemporary Art de Los Angeles, en el Institute of Contemporary Arts y en la Serpentine Gallery de Londres, en la Neue Nationalgalerie de Berlín y en la Kunsthaus de Zurich, en el Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, en el Jeu de Paume y en el Centre Pompidou de París, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, en el Institut Valencià d’Art Modern de Valencia y en el Museu d’Art Contemporani de Barcelona, entre muchos otros.
Antoni Tàpies creó la Fundació Antoni Tàpies en el 1984 con el objetivo de promover el estudio y el conocimiento del arte contemporáneo, poniendo especial atención en el análisis de su papel en la formación de la conciencia del hombre moderno.
Antonio Saura. Nace en Huesca en 1930 y muere en Cuenca en 1998. Empieza a pintar y a escribir en Madrid, en 1947, mientras se recupera de una tuberculosis que lo mantiene inmovilizado durante cinco años. Primeras búsquedas y primeras experiencias pictóricas. Reivindica la influencia de Arp y Tanguy, pero se distingue ya por un estilo personal; crea numerosos dibujos y pinturas de carácter onírico y surrealista en los que generalmente representa paisajes imaginarios que plasma en una materia plana, lisa y rica en color. Primera estancia en París en 1952. Segundo período en París entre 1954 y 1955 durante el cual conoce a Benjamin Péret y frecuenta al grupo de los surrealistas, de los que pronto se distanciará junto con su amigo el pintor Simon Hantaï. Empieza a pintar ocupando el espacio del lienzo de varias y muy diversas maneras, creando estructuras formales propias que no dejará de desarrollar. Primeras apariciones de formas que pronto se convertirán en arquetipos del cuerpo de la mujer o de la figura humana, dos temas fundamentales que ocuparán lo esencial de su obra. A partir de 1956 Saura inicia sus grandes series, Damas, Desnudos, Autorretratos, Sudarios, Crucifixiones, que pinta tanto sobre lienzo como sobre papel. En 1957 funda en Madrid el grupo El Paso, que dirigirá hasta su disolución en 1960. Limita entonces su paleta a los negros, grises y marrones. Se afirma en un estilo propio e independiente de los movimientos y las tendencias de su generación. Su obra se inscribe en la línea de Velázquez y Goya. Entra en los principales museos. A partir de 1959 se dedica a una prolífica obra gráfica. Ilustra de manera original libros como Don Quijote, de Cervantes, 1984, de Orwell, Pinocho en la adaptación de Nöstlinger, Tagebücher, de Kafka, Tres visiones, de Quevedo, y otros muchos. Amplía su registro temático y pictórico. Junto con la serie Mujer-sillón aparecen las de Retratos imaginarios, El perro de Goya y Retrato imaginario de Goya. En 1971 abandona la pintura sobre lienzo, que retomará en 1979, para dedicarse a la escritura, el dibujo y la pintura sobre papel. A partir de 1977 empieza a publicar sus escritos y realiza varias escenografías para el teatro, así como para el ballet y la ópera. En 1983 crea una importante serie de retratos titulada Dora Maar o Dora Maar visitada. Desde esa fecha y hasta su prematura muerte retoma y desarrolla magistralmente el conjunto de sus temas y figuras para producir, tal vez, lo mejor de su obra.
Ricard Badía. vive el arte y la fotografía desde que nace en Barcelona (1966). Su padre, Enric Badía Romero, es dibujante de comics, famoso por sus personajes como Axa o Modesty Blaise.
Una ampliadora y un cuarto oscuro, herramientas fundamentales para el trabajo de su padre, le permiten desde joven entrar en el mundo de la fotografía. Con una primera cámara analógica, una Kodak, obtiene sus primeros premios en la categoría de blanco y negro. Estudia diseño en la Escuela de Sistemas Informáticos y fotografía en el Institut d'Estudis Fotogràfics de Catalunya. Trabaja en varias empresas dedicadas al diseño gráfico e industrial. En 1993, entra como coordinador de estudios de la que será la primera carrera a nivel nacional que integra diseño y tecnologías informáticasTexto: Alfredo Navarro multimedia. En el año 2006, crea su propia empresa de formación y sigue trabajando como fotógrafo y reportero de vídeo para prestigiosas empresas como Orbital, D'Aleph, Artimedia, Eserp o la Diputació de Barcelona.
Pati Núñez (Figueras, Girona, 1959) es la más famosa de las diseñadoras gráficas de este país. Estudia en la Escuela Eina de Barcelona entre los años 1976 y 1978, en donde impartió clase desde el año en que terminó sus estudios con 19 años, -muchos alumnos eran mayores que ella-, hasta quince años después. Conoció al diseñador América Sánchez en la Escuela Eina poco antes de que éste la abandonase. Conoció a Fernando Amat, Javier Mariscal, Pepe Cortés, Fernando Salas, Pep Fábregas, Carles Riart, Toni Arola, Óscar Tusquets, Quim Larrea…Pati Núñez ha sido uno de los nombres más cotizados del grafismo español de vanguardia. Ha colaborado con diferentes firmas de diseño y publicidad, hasta que en 1985 abre estudio propio en Barcelona. En 1991 se incorpora a AD (Associate Designers), dirigiendo su Departamento de Diseño Gráfico hasta 1993. Pati Núñez se sirve de todos los medios gráficos a su alcance, en letra, símbolo, color e imagen, para transmitir al receptor la personalidad de una empresa, una marca o un estilo. El estilo de Pati ha renovado la estética de la gráfica española
Quim Nolla. Quim o Joaquim Nolla es un diseñador gráfico catalán que tiene su estudio en Barcelona, Quim Nolla Disseny, estudio dedicado al diseño gráfico, comunicación y publicidad. Es un diseñador de largo recorrido, ya que lleva bastantes años trabajando en la gráfica, y por su estudio han pasado bastantes diseñadores famosos, como David Torrents entre otros. Trabajó junto a Mir hace años formando el estudio Mir & Nolla, agencia de publicidad y estudio de diseño, especializados en diseño editorial entre otras áreas. Ha trabajado en la Escuela Superior de Diseño BAU de Barcelona y ha realizado interesantes trabajos como el cartel para las Olimpiadas de Barcelona 92 o la imagen del Forum Universal de las Culturas en Barcelona 2004. Quim Nolla es un gran experto en tipografía como demuestran sus trabajos y su capacidad de expresarse gráficamente a través de la letra, las palabras y los textos, junto a diseñadores como Yves Zimmermann o Eumo Gràfic.
Alfonso Sostres. (Barcelona, 1962) es un diseñador gráfico de la generación de Pati Núñez, Claret Serrahima y compañía. Fue un creativo freelance de la época célebre de los años 80, cuando estaban de moda locales como el Si,Si,Sí, Otto Zutz, Zsa-Zsa, Seltz, Rothko, el Gambrinus, las Torres de Ávila, el Network, Nick Havanna, KGB, Velvet, Snoocker, Salero, el restaurante Samoa del Paseo de Gracia, etc. Diseñadores de todo tipo y grafistas como Pati Núñez, Claret Serrahima, Josep Bagà, América Sánchez, Peret y el propio Alfonso se repartían el trabajo y realizaban logotipos, carteles, folletos, flyers e incluso los interiores. Es el momento de arquitectos e interioristas como Eduard Samsó, Alfred Arribas, Dani Freixas, Carles Riart, Gabriel Ordeig, Santi Roqueta, Antoni Arola, Mariscal y el veterano Pepe Cortés. Todos ellos proyectaron y diseñaron todos esos locales de moda que traen gratos recuerdos a los brcelonses. Nostalgia de aquellos locales proyectados por unos profesionales del diseño que han seguido diferentes caminos y que pertenecían a distintas generaciones, pero que formaron parte de la “movida” barcelonesa de los años 80; algunos de esos locales que Omar Calabrese denominó “neobarrocos”.
Javier Mariscal. (Valencia, 1950) es diseñador gráfico, diseñador industrial, ilustrador, interiorista, pintor, escultor, dibujante de cómic, un personaje polifacético, admirado por amigos y enemigos. Los diseñadores industriales admiran sus carteles y los diseñadores gráficos sus muebles, curiosa paradoja. Como dice Enric Satué, en el diseño actual habría que concederle un “oscar” por sus Historias de Garriris, por el taburete Duplex, por su colaboración con el arquitecto Alfred Arribas, por el Cobi, y por “El mundo de Mariscal” o el origen de los colores. Javier Errando Mariscal es valenciano, de familia burguesa, con once hermanos; su padre, el Dr. Errando, era muy conocido en la ciudad. De formación autodidacta, se trasladó a Barcelona en los primeros años 70 con veinte años, habiendo pasado en Valencia muy poco tiempo por la Facultad de Bellas Artes y la Facultad de Filosofía, y por la Escola Elisava de Barcelona. Se le han organizado exposiciones y antológicas como la de la Lonja de Valencia de 1988, la del Moll de la Fusta barcelonés de 1990, denominada “Cien años con Mariscal”; ha estado presente en el Centro Georges Pompidou de París en 1984 y en la Documenta de Kassel en 1987. En su estudio-fábrica lo mismo atiende encargos de modestos logotipos para una escuela de primaria que el diseño de imagen para unos Juegos Olímpicos (candidatura de Madrid a los Juegos Olímpicos 2012). Hay que mencionar su autenticidad, el trazo espontáneo y el proceso de estudio y documentación exhaustivos en cada trabajo. Ha sido Premio Nacional de Diseño en 1999. Según Ramón de España , “la utilidad es un concepto básico en las cosas de Mariscal, casi todo lo que hace sirve para algo. Te puedes sentar en algo de Mariscal, te puedes abrigar con algo de Mariscal, puedes comer en algo de Mariscal. Como firme defensor de las artes aplicadas, disfruta mezclando lo artístico con lo práctico”.
Claret Serrahima (Barcelona, 1950), tiene un pequeño estudio de diseño, Estudi Clase, en un espacio sorprendente del Barrio Gótico de Barcelona, porque en un momento dado decidió que le interesaba ser pequeño, no crecer y controlar su producción. Así ha conseguido mantener su prestigio como diseñador, “de maestro ebanista”, como le gusta definirse, intacto. Entre sus últimos trabajos ha conseguido sacar adelante la imagen corporativa de Catalunya Caixa, la Caja resultante de la fusión de Caixa Catalunya, Caixa Manresa y Caixa Tarragona, uno de los trabajos más importantes de su carrera. Son muy interesantes las declaraciones que ha hecho sobre la falsa modernidad de Barcelona. Claret se siente bastante cansado de Cataluña y agotado de Barcelona por la falsa modernidad de los políticos a quienes se les ocurre sacar los conejos y los periquitos de las Ramblas para vender helados con gorros de mexicanos y cocas remojadas. Los políticos cometen el error de querer dejar huella. Los políticos no vienen de Marte ni de Venus, son catalanes y representan la cultura catalana, la de este falso progreso, esta falsa modernidad, pero resulta que hay más modernidad en Santa María del Mar que en el Edificio Vela de Bofill. Barcelona es una ciudad cada vez más difícil de vivir porque está perdiendo la esencia de la vida. Este es un país devastado, porque el catalán es un cínico que lo que ama de verdad es su cuenta corriente. Aseguran que Barcelona es “la millor botiga del mon”. Aunque todo esto suene a tópico, los hechos actuales, y los pretéritos, van por ese camino…Al margen de estas declaraciones, más o menos polémicas, Claret Serrahima es, sin duda, uno de los grandes diseñadores gráficos de este país.
Onesim Colavidas. Presidente y director creativo de la compañía Desing Ònesim Colavidas. Durante 12 años fue director de publicidad del grupo Sarrió. En el año 1980 fundó su propia compañía de diseño y comunicación. Ha sido premiado varias veces con los trofeos LAUS en diferentes categorías, destacando el LAUS de oro por la mejor imagen corporativa. Fue seleccionado para figurar en el registro oficial internacional del Bureau of European Designers Associatios (BEDA), de la Unión Europea, por lo que posee la homologación y reconocimiento de nivel, cualificación y competencia profesional. Ha formado parte del Consejo del Fomento de las Artes Decorativas (FAD) y del Consejo Superior de Diseño. También ha sido miembro, durante varios periodos de la Junta Directiva de la Asociación de Diseñadores Gráficos, directores de arte Ilustradores y Fotógrafos (ADG) y también de la Asociación de Diseñadores Gráficos (ADP) Recibió el Certificate of Desing Excellence, otorgado por el Washington Trademark Desing Awards
Jean Michel Folon. Bruselas, 1934. De nacionalidad belga, Jean-Michel Folon es un renombrado pintor, acuarelista e ilustrador. Comenzó a estudiar arquitectura, abandonando la carrera en favor del dibujo, que le permitía estudios mas expresivos. Sus dibujos han aparecido en numerosas revistas, incluyendo: Time, Fortune, The New Yorker y L'Express.
En 1969 tuvo lugar su primera exposicion en solitario en Estados Unidos, seguida de exposiciones en Tokyo, Venecia, Milan, Londres, Sao Paulo, Ginebra, Bruselas, y Paris. Folon ha ilustrado obras de Kafka, Lewis Carroll, y Ray Bradbury. En 1973 creo una serie de acuarelas titulada La Mort d'un Arbre (La muerte de un arbol), para la cual Max Ernst creo una litografia como prefacio.
Folon ha realizado una escultura de 176 pies para una estación de metro de Bruselas y una pintura de 160 pies para la estacion de Waterloo en Londres.
Sin embargo, donde Folon se encuentra mas cómodo es realizando obras graficas de grabado y punta seca.
Josep Guinovart. Nace en Barcelona el 20 de marzo de 1927. Empieza a trabajar como pintor de paredes en 1941, mientras que aprende el mismo oficio en la Escuela de Maestros Pintores. En 1943 deja la Escuela de Maestros Pintores e ingresa en la sucursal que tiene la Escuela de Artes y Oficios de la Lonja. En 1946 obtiene la beca otorgada por el FAD (Foment de les Arts Decoratives) para recibir clases de dibujo al natural hasta 1949. Durante este periodo su vocación ya es clara y a través del FAD organizan su primera exposición en la galería Syra del 24 de noviembre al 5 de diciembre de 1948. Sus primeras obras están fuertemente marcadas por las influencias de Nonell y Gimeno. Su estilo realista, entre crudo y sentimental, dura poco tiempo Pronto abandona el realismo de intención naturalista y marca el arranque de una manera personal con la que trabaja en realizaciones muy diversas con el empleo del collage. Conoce a algunos de los miembros de Dau al Set como el poeta Joan Brossa y el pintor Joan Ponç en 1949. En 1951 ha abandonado el oficio de pintor de paredes y se dedica por entero a la pintura. Desde este año ya comienza una etapa de plenitud que Rodríguez-Aguilera llama ¨expresionismo figurativo¨. Guinovart obtiene una beca del Instituto Francés en 1952 y viajó a París nueve meses conociendo el arte contemporáneo A su vuelta de París, colabora con arquitectos y también trabaja en ilustraciones y decorados escenográficos. En 1957 y 1958 participa en algunas exposiciones colectivas, entre las cuales, destacan las Bienales de Sa Paulo o de Venecia y llega a la abstracción absoluta en la que se mantendrá hasta su muerte el 12 de diciembre de 2007
Eduardo Arroyo. Eduardo Arroyo nació en Madrid. Tras estudiar la carrera de Periodismo se trasladó a París dejando atrás una primera etapa de caricaturista con incipientes coqueteos en la pintura, aunque su primera vocación fue escribir, tarea que prosiguió hasta el final.
Optó por la pintura figurativa en unos años de aplastante dominio de la pintura abstracta en París, y sus primeros temas recordaban a la “España negra” (efigies de Felipe II toreros, bailarinas) pero en clave cáustica y nada romántica.
En julio de 1964 participó en el Museo de arte moderno de París en la muestra Mitologías diarias, y el año siguiente en la muestra epónima La figuración narrativa en el arte contemporáneo, donde presentó el políptico Vivir y dejar morir o el fin trágico de Marcel Duchamp, hoy día conservado en el Museo Reina Sofía que constituye el manifiesto de este movimiento. La opción figurativa de Arroyo tardó en ser aceptada en París. Su primera clientela más o menos estable fue italiana; gracias a sus ventas en Italia pudo subsistir en Francia.
Características de muchas de sus obras son la ausencia generalizada de profundidad espacial y el aplanamiento de la perspectiva. Arroyo ridiculiza y “reinterpreta” los tópicos españoles con toques surrealistas. Ejemplo de ello es el lienzo “Caballero español”, donde el protagonista posa con un vestido de noche. Arroyo fue expulsado de España por el régimen, y recuperaría su pasaporte en 1976. Sin embargo, su despegue crítico en España no fue inmediato y se demoraría hasta principios de los 80; en 1982 se le otorgó el Premio Nacional de Bellas Artes.
En 2000, el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, le concedió la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes.
El artista falleció el 14 de octubre de 2018 en Madrid
Antoni Clavé. Pintor y escultor español. Discípulo del escultor Ángel Ferrant y del pintor José Mongrell, se inició en la pintura en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona y su incursión en el ámbito profesional se produjo a través del cartelismo, fundamentalmente el cinematográfico. Afiliado en el Ejército Republicano durante la Guerra Civil española, en enero de 1939 se exilió a Francia, donde pasó un tiempo en un campo de refugiados. Prosiguió sus actividades pictóricas conformando, junto con un grupo de pintores españoles, la denominada Escuela de París.
Expuso por primera vez en París en 1949; desde entonces su nombre aparece en los salones parisienses de Otoño y de la Sociedad General de Bellas Artes, y también en Roma, Estocolmo, Ginebra, Copenhague, Londres y Niza. La culminación de su reconocimiento como pintor de renombre se dio en 1978, cuando el Museo de Arte Moderno de la Villa de París le dedicó una gran retrospectiva que incluía pintura, collage y grandes tapices de 1958 a 1979. Su estilo se sitúa entre el expresionismo y el simbolismo; en su pintura son notables la invención y la calidad dibujísticas, así como la exuberancia de su colorido y la rica textura de los materiales, características también aplicables a su obra escultórica. En 1989 presentó una exposición retrospectiva de sus esculturas en el Palau de la Virreina de Barcelona, que incluía las obras realizadas desde 1939 hasta 1986. Un año más tarde, en 1990, inauguró una muestra antológica con toda su pintura en el Palau Robert de Barcelona, organizada por la Generalitat de Cataluña. Y en abril de 1999 inauguró una exposición en el Centro Cultural del Conde Duque de Madrid, centrada principalmente en la producción pictórica de los tres primeros lustros.
Arcadi Moradell Bosch (Barcelona, 1949) es hijo del también diseñador gráfico Ernest Moradell, y está considerado como uno de los dos mejores diseñadores asesores del mundo. En 1973 crea la identidad corporativa de la estación de esquí de Baqueira Beret junto a su padre Ernest Moradell, comenzando así una ingente carrera profesional en el mundo del diseño gráfico. Ese mismo año gana el trofeo Laus por el cartel de Sonimag. En 1978 funda la Asociación para la creación del Colegio de Diseñadores Gráficos de Cataluña, el CODIG. También realiza el diseño y asesoría de imagen del Parque de Atracciones del Tibidabo y la imagen de los Taxis de la Corporación Metropolitana de Barcelona. Entre 1979 y 1985 ealiza la imagen y señalización del Metro de Madrid. Entre 1989 y 1995 es presidente de ADG-FAD, Agrupación de directores de Arte, Diseñadores Gráficos e Ilustradores. En miembro del Consejo Superior de Diseño, y realiza la imagen del Grupo Areas de las Autopistas Españolas, la imagen turística de Guatemala y la imagen del Área Metropolitana de Barcelona. Realiza la imagen corporativa del Hospital Ramón y Cajal de Madrid, e instituye el Premio Barcelona para estudiantes de Diseño.
Desde 1967 ha creado más de 800 diseños de identidad corporativa e imagen de producto para entes y empresas nacionales y extranjeras. Concurso de la nueva imagen del Gobierno de Canarias. Además, ha impartido cursos y seminarios en toda España, Alemania, Argentina, Brasil, Chile, Cuba, Estados Unidos, Francia, Guatemala, Holanda, Inglaterra, Japón, Corea, México, Paraguay, Portugal, República Dominicana y Uruguay. Entre 1969 y 2010 numerosas publicaciones y medios de comunicación le han publicado sus trabajos y proyectos. Su éxito es trabajar al margen de las modas y perseguir unos objetivos de funcionalidad.
Peret. Pere Torrent González (Barcelona, 1945) inicia su actividad como diseñador gráfico en 1965. Entre 1970 y 1976 vive, trabaja y se perfecciona en París, trabajando como director artístico en Delpire-Advico, en Grapphorm y Prisunic; colaboró con ilustraciones en las revistas “Marie-Claire” y “L’Express”, y en grandes empresas como Air France y Citroën. En 1977 regresa a Barcelona colaborando en revistas y agencias de publicidad, y en 1978 monta un estudio propio; entre este año y 1984 trabaja en su estudio, realiza publicaciones y colabora con agencias de publicidad. Este último año realiza varios carteles para el Ayuntamiento de Barcelona y la Generalitat de Catalunya; comisaria la exposición “Tintin en Barcelona” en la Fundación Joan Miró; es director de arte del programa “Estoc de pop” de la TV3 (Televisión de Catalunya) e inicia la colaboración semanal con el periódico La Vanguardia de Barcelona. En 1986 comienza su célebre serie de carteles para el festival del Grec 86 del Ayuntamiento de Barcelona y también realiza la imagen de los Premios Ciudad de Barcelona patrocinados por el Ayuntamiento. Posee una depurada calidad técnica, ecléctica. “Los diseñadores deben copiar, que no es lo mismo que plagiar”, dice Peret. Estudia a los grandes, reconoce su profundidad, saca a la luz conceptos culturales con un ropaje contemporáneo, atractivo y sintético, propio de las formas cultas redescubiertas; se recrea en estilos primitivos africanos y en formas abstractas históricas, con un aspecto novedoso lleno de ironía y humor, basado en el análisis crítico y el conocimiento. “Hay que asomarse a otras culturas, a otros mitos. Mezclarlos, fusionarlos para enriquecerlos, y de la misma manera que todo el arte moderno es deudor de culturas primitivas a las que en muchas ocasiones en realidad ha saqueado, yo he procurado limitarme, al menos conscientemente, a buscar sus influencias y alguna que otra vez rendir homenaje a la creación en su estado más puro.